Abel Ferrara: Napoli Napoli Napoli

Documentario, girato in digitale, intervallato da sprazzi di fiction su degrado, desolazione e malavita a Napoli.
Le testimonianze di giornalisti, istituzioni locali e delle detenute della Casa Circondariale Femminile di Pozzuoli ("involontariamente" spassose) fanno da contraltare a storie di spaccio, prostituzione, vizio ed omicidio.
Ferrara è abile a mettere insieme i pezzi senza annoiare e senza cadere nel patetico, seppure con qualche lungaggine nel finale, in particolar modo nelle scene recitate - troppo fuori tema e apparentemente artefatte e improvvisate - che potevano non essere inserite poiché sminuiscono il fine informativo dell'opera.
Promosso, ma con riserva.

Piccolo appunto gossipparo: Abel Ferrara ha perso l'aereo e gli spettatori in Sala Grande (come la sottoscritta) che l'attendevano sono rimasti un attimino delusi. Müller in persona ha detto che ci sarà una proiezione speciale domani alle 12.30. Sarà vero? Ma soprattutto, sarà di nuovo aperto il botteghino? Lo scopriremo.

Marta Gabrieli

-06- Disney-Pixar Day (e altro…)

George Lucas consegna il Leone d'oro alla carriera a John Lasseter
(Virginia Farneti/LaPresse)

Ore 14.00 – Settimana della Critica
Good Morning Aman di Claudio Noce

Fotografia di Michele D'Attanasio

www.cinematografo.it

Il cortista Claudio Noce porta alla SIC malessere e identità trasversali. Un ottimo esordio, con Mastandrea in gran forma Due storie uguali e contrarie, quelle di Aman (Said Sabrie), teenager di origine somala, e del romano Teddy (Valerio Mastandrea), ex pugile 40enne, unite dalla ricerca dell’identità, un’identità trasversale. Per entrambi, si tratta di un romanzo di formazione: crescita verso la vita per Aman, crescita verso la morte per Teddy, in un intreccio di esistenze, corpi e parole supportato da una palese, e ambiziosa, volontà di stile. Immigrazione senza “sfiga”, insonnia multiculturale e una nausea che decenni dopo Sartre è ancora più invasiva e nonsense: tutto questo, incredibile e vero, in un film italiano, l’opera prima del premiato cortista Claudio Noce, Good Morning Aman, in concorso alla Settimana della Critica e poi in sala con Cinecittà Luce. Radicalizzando poetica e stile di Vicari sotto il faro di Cassavetes, il 34enne regista costruisce un viaggio al termine della notte nei dintorni di Piazza Vittorio, incrociando le derive di Valerio Mastandrea – mai così bravo – e del protagonista Said Sabrie, somalo de Roma. Noce (si) concede qualche sbavatura, mette troppa musica e nella seconda parte allarga il campo perdendo in definizione, ma non si nasconde e ritrae il malessere globale senza se razziali e senza ma generazionali. Firmando una delle opere prime, se non l'opera prima, più importanti degli ultimi anni.

Federico Pontiggia

www.movieplayer.it

Buongiorno Italia, c'è vita dentro te Ci sono piccole ingenuità e difetti macroscopici in quest'opera che ci negano il gusto di gridare alla nascita di un grande autore, ma la sua freschezza e la frequenza con cui riesce a fare delle immagini una violenta poesia metropolitana lascia ben sperare per il futuro.
Arriva dalla Settimana della critica la prima vera sorpresa italiana di questa sessantaseiesima Mostra del cinema di Venezia, un esordio brillantemente articolato in termini narrativi e dallo stile visivo potente, che ha la capacità di crescere sempre di più durante il suo dispiegarsi. Good Morning Aman parte infatti male, molto male: il protagonista si presenta agli spettatori con una voce off da dj, poi la regia comincia a seguirlo ostentando un'estrosità piuttosto fastidiosa. Tutto cambia nel giro di poche sequenze, quando Aman, un giovane somalo cresciuto a Roma, comincia a vagare per le vie della capitale, in una città multietnica nei numeri ma in cui si stenta ancora a realizzare l'integrazione. Vedendo un invisibile promosso a protagonista di un film italiano, si teme una classica e retorica storia di discriminazione razziale, ma ci si ritrova lentamente immersi nel toccante racconto di un'amicizia tra due solitudini rappresentanti due mondi totalmente diversi. Con l'entrata in scena di un tormentato Valerio Mastandrea nei panni di un ex-pugile che ha perso il gusto della vita per una tragedia nel passato di cui ancora non sa scontare la colpa, il film chiarisce le sue intenzioni, rivelando una profondità e una ricchezza a livello di scrittura davvero inusuale nel panorama del cinema italiano. Evitando la trappola dell'opera ombelicale, Claudio Noce esordisce dietro la macchina da presa con una sceneggiatura scritta a più mani, tra le quali le sue, che si muove su più livelli e dà grande libertà allo sguardo del regista di posarsi su personaggi e ambienti in maniera personale che per una volta s'allontana dalla mediocrità della cinefiction nostrana. Noce gioca col fuoco, fa parlare soprattutto i volti variando continuamente la messa a fuoco, educando il nostro sguardo a quello che si vede e quello che si dovrebbe vedere, spesso però gratuitamente. Digerendo il suo stile si rischia seriamente di trovarlo geniale. E' molto interessante la struttura di Good Morning Aman che si concentra separatamente su due personaggi non facili da amare per lo spettatore, per motivi diversi. Poi li coglie insieme nelle lotte e negli abbracci, in un tenero ma virile rapporto da cui le rispettive solitudini cercano di trarre sollievo. Il loro si configura quindi come un viaggio, l'uno dentro l'altro, ognuno dentro sé stesso: Aman è incapace di mostrare una qualsiasi reazione, anche quando provocato; Teodoro deve fare i conti con un passato che l'ha allontanato dal mondo esterno. La vita per quest'ultimo è una faccenda che riguarda un altrove inafferrabile, come spiega il dipinto in cui perde spesso lo sguardo: un uomo di spalle in piedi su una montagna. Noce si muove in una Roma che oggi sarebbe tanto cara a Pasolini, tra Piazza Vittorio e Corviale, con il terribile "Serpentone" che fa da sfondo al degrado dell'anima della città. Il film torna a perdersi verso il finale, un vero capolavoro in termini di montaggio ma eccessivo nella sua produzione di senso, sfiorando il risibile. Lo script ha però l'intuizione di confondere, sminuzzando la realtà nell'immaginazione. Ci sono piccole ingenuità e difetti macroscopici in quest'opera che ci negano il gusto di gridare alla nascita di un grande autore, ma la sua freschezza e la frequenza con cui riesce a fare delle immagini una poesia metropolitana lascia ben sperare per il futuro.

Massimo Borriello

www.sentieriselvaggi.it

A tanta vicinanza fisica coi personaggi corrisponde in realtà una lontananza emotiva altamente irritante. La storia di due anime sole e a disagio col mondo in cui si trovano a vivere è infatti affrontata in maniera gelida e confusa, ed il film di Noce è ancor più irritante se le ambizioni e le attese erano così alte.
È ufficiale: la 66. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia si scopre morbosamente ossessionata dall’uso permanente ed ossessivo della macchina a mano che, coi suoi movimenti discontinui ed irregolari, bracca costantemente l’esistenza dei propri protagonisti. Dalla Spagna di Rec 2, passando poi per la Svezia di “Apan”, infatti, il movimento tanto caro al documentario prende di petto anche l’Italia con uno dei film di punta della Settimana Internazionale della Critica e dello stesso Festival, l’atteso Good Morning Aman dell’esordiente regista romano Claudio Noce. Aman, diciannovenne italiano di origine somala, incrocia in maniera inaspettata la vita di Teodoro, ex pugile romano di quarant’anni intrappolato nelle sue colpe e in un passato da espiare. Il loro diventerà un rapporto complice, stabile, necessario. Ormai sembra che la sperimentazione formale debba per forza passare per la sopracitata scelta registica, correndo in realtà il rischio di risultare ridondante, chiudersi ed essere fine a se stessa. Ma i movimenti bruschi, rapidi, invasivi e per nulla intimoriti che danno forma a Good Morning Aman, acquistano presto una nuova e propria potenza perché supportati da grande curiosità, attrazione e rispetto per l’animo, la vita ed il pensiero dei propri personaggi, che si convertono in un martellante utilizzo di primissimi piani e dettagli (raro poi che ci si imbatta in inquadrature che vadano al di sotto della mezza figura). La struttura drammaturgica del film di Noce, inoltre, viaggia su due registri distinti, che vanno dal momento di estremo e solido realismo a quello in cui si è portati all’interno di un universo surreale, quello svelato dal continuo flusso mentale di Aman: proprio l’approccio visivo ed il linguaggio del film tengono conto di tale cifra stilistica. Peccato che dal punto di vista contenutistico la storia di due anime sole e a disagio col mondo in cui si trovano a vivere (e nel quale cercano comunque ossessivamente un posto, il proprio posto) sia affrontata così gelidamente e confusamente. A tanta vicinanza fisica coi personaggi corrisponde in realtà una lontananza emotiva altamente irritante. Ancor di più se le ambizioni e le attese erano così alte.

Elisa Panetto

Ore 17.30 - Giornate degli Autori
Di me cosa ne sai (2008) di Valerio Jalongo

www.venice-days.com

Fino agli anni Settanta il cinema italiano dominava la scena internazionale, arrivando perfino a fare concorrenza a Hollywood. Poi, nel volgere di pochi anni, il rapido declino, la fuga dei nostri maggiori produttori, la crisi dei grandi registi-autori, il crollo della produzione. Ma quali sono le vere cause e le circostanze di questo declino? Nel cercare di dare una risposta a questa domanda, Di me cosa ne sai tenta di raccontare questa grande mutazione culturale. Iniziato come un’amorosa indagine sul cinema italiano, Di me cosa ne sai diventa così un docu-drama che alterna testimonianze dei protagonisti di allora a frammenti della vita culturale e politica degli ultimi trent’anni: un diario di viaggio che racconta l’Italia da nord a sud, attraverso sale cinematografiche e ragazzini teledipendenti, Berlusconi e Fellini, centri commerciali e direttori di telegiornale, storie di esercenti appassionati e registi che lottano per i propri film, testimonianze di proiezionisti girovaghi e di grandi registi europei.

“Sarebbe possibile oggi ‘Salò’?”. Non è un revisionista nostalgico a parlare, ma Bernardo Bertolucci. Domanda retorica e Valerio Jalongo lo sa bene, le immagini dell’ultimo capolavoro di Pasolini, stupende e atroci, sono il viatico a ottanta minuti di cronistoria critica della cultura dell’immagine in Italia, attorno alla grottesca vicenda del regista Felice Farina, Don Chisciotte idealista e nichilista. Un bel documentario d’arte e politica, di immagini e dati, di interviste e deduzioni fuori campo, di tv e cinema, che nel 1949 riempiva una piazza con la sua protesta, e ora “solo” un teatro. E di Fellini che combatte Berlusconi, sostenuto da un giovane Veltroni e il PCI, con lo slogan “Non si spezza una storia, non si interrompe un’emozione”. Già, si stava meglio quando si stava peggio. O forse eravamo solo migliori noi.

Boris Sollazzo

-05- Lourdes di Jessica Hausner convince tutti!

Ore 08.30 – Venezia 66
Bad Lieutenant: Port of Call di Werner
Herzog

http://www.corriere.it/

La prima bella sorpresa arriva dalla trentasettenne Jessica Hausner
Werner piatto, confronti impossibili La delusione: per «Bad Lieutenant» una regia scolastica che fa rimpiangere l’originale di Abel Ferrara

La prima, bella sorpresa della Mostra viene da una regista non proprio conosciutissima (ma i cui due precedenti lungometraggi, Lovely Rita e Hotel, avevano attirato l'attenzione del «Certain regard» di Cannes), la trentasettenne Jessica Hausner, che con Lourdes racconta il pellegrinaggio nella città pirenaica di un gruppo di malati. Tra di loro, c'è la giovane Christine (Sylvie Testud), bloccata su una carrozzella da una sclerosi che le permette di muovere soltanto la testa. Ma l'obiettivo della regista non si fissa solo su di lei: dedica altrettanto spazio e tempo alle giovani accompagnatrici dell'Ordine di Malta, agli altri malati, alle piccole ritualità quotidiane che scandiscono i giorni di permanenza al santuario. E lo fa con un occhio che sarebbe fuori luogo chiamare «laico» ma che è certamente «oggettivo» ed equidistante da spiritualità e scetticismo. Se scatta il sorriso è perché quello che si vede può essere letto anche in maniera ironica (certe istruzioni e certi rituali aspettando il proprio turno alla grotta o alla fonte, i comportamenti di chi vuole in qualche modo esorcizzare l'incombente presenza della malattia e della morte, i discorsi su miracoli passati o presunti) ma tutto potrebbe offrirsi anche a una lettura opposta. Proprio come succede alla protagonista quando viene «miracolata»: è lei la prima ad avere dei dubbi, a temere per una possibile recrudescenza della paralisi, a subire gli sguardi invidiosi degli altri malati. In questo modo il film racconta sì un miracolo ma evita in tutti i modi di spiegarlo (la protagonista non sembra neppure particolarmente credente) facendo tornare alla mente quello spirito dissacrante ma insieme ambiguo e un po' sorpreso che Buñuel aveva portato a vette eccelse e che Jessica Hausner sembra in grado di ritrovare di nuovo.

Chi invece non sembra all'altezza del suo nome è il «cattivo tenente» che Werner Herzog ha portato in concorso al Lido (Bad Lieutenant. Port of Call: New Orleans). Le polemiche sul possibile o impossibile remake del Cattivo tenente di Ferrara si sono dissolte dopo le prime scene: tanto il film con Harvey Keitel era cupo e sgradevole affrontando con la massima radicalità i temi della colpa e del perdono (il protagonista entrava in crisi quando una suora perdonava i propri violentatori), così il film di Herzog è piatto e scolastico, raccontando la vita non certo esemplare di un tenente della polizia di New Orleans (Nicolas Cage, ingessato e stralunato), strafatto di cocaina, che «protegge» una prostituta (Eva Mendes, molto più bella altrove) e che sul lavoro non sembra avere dubbi morali né angosce esistenziali. La mano di Herzog si può trovare in qualche piccolo inserto animalesco (l'incidente stradale con un coccodrillo, l'apparizione di due iguane, il finale davanti all'acquario) ma il resto dà l'impressione di una regia solo alimentare. Terzo film in concorso della giornata il cino-taiwanese Lei wangzi (Il principe delle lacrime) di Yonfan che ricostruisce gli anni del «terrore bianco» a Taiwan (tra il '50 e il '54) quando la paura del comunismo sembrava autorizzare delazioni e esecuzioni in massa. Ne fa le spese anche la famiglia di due bambine, di cui seguiamo per due ore l'ingresso precoce nell'età della consapevolezza e la scoperta che nessuno può dirsi davvero «buono». Il tutto filmato con uno stile prevedibilmente «poetico» e un ritmo forzosamente dilatato. Un film corretto, certo, ma di cui si fatica a capire il senso nel concorso veneziano.

Paolo Mereghetti

Ore 11.00 – Controcampo Italiano
Sputnik 5 (corto)
Cosmonauta
di Susanna Nicchiarelli

www.sentieriselvaggi.it

Scritto dalla regista con Teresa Ciabatti, il film ha il merito di non esibire un sentimento nostalgico ma, nella sua dichiarata uniformità, lascia emergere un bel ritratto adolescenziale dove la rabbia della protagonista ricorda quella di un certo cinema di Claude Miller. Forse anche per questo suscita una spontanea simpatia
Suscita una spontanea simpatia un film come Cosmonauta. E ciò avviene con naturalezza, proprio perché non ci sono ammiccamenti o furbizie autoriali. Anzi, da un punto di vista visivo, lo sguardo della Nicchiarelli (che ha scritto il film con Teresa Ciabatti ed interpreta anche il ruolo di Marisa) è trasparente, quasi dimesso. Per certi aspetti questo debutto possiede quell’attraente umiltà di certi debutti del cinema italiano dalla seconda metà degli anni ’80 in poi come, per esempio, quelli di Giuseppe Piccioni (Il grande blek) e Leone Pompucci (Mille bolle blu). Il film comincia nel 1957 quando la cagnetta Laika è stata appena mandata nello spazio dai sovietici. Luciana ha 9 anni ed è appena scappata dalla chiesa poco prima di fare la comunione. Nel 1963, a 15 anni, è entrata a far parte della sezione locale della FIGC che frequentava suo padre. La passione politica gliel’ha trasmessa il fratello maggiore Arturo, un ragazzo bizzarro che soffre di epilessia ed è appassionato di Unione Sovietica. Quella di Cosmonauta è fuga indietro nel tempo. Si avvertono in modo netto i segni della ricostruzione (la sezione comunista del Trullo). Anzi, appaiono così evidenti da apparire quasi esibiti. Eppure in questa visione d’epoca la nostalgia non viene imposta ma si accumula attraverso residui (ritagli di giornali, frammenti con le immagini del viaggio nello spazio e una colonna sonora che comprende successi come, per esempio, Cuore matto, Nessuno mi può giudicare, E la pioggia che va, e Io che amo solo te. Non ha grossi slanci Cosmonauta ma probabilmente non li vuole neanche avere. C’è solo il desiderio di raccontare una storia. E in questo primo lungometraggio di finzione della regista (che precedentemente aveva realizzato cortometraggi e documentari tra cui Il terzo occhio e L’ultima sentinella) sono presenti delle vibrazioni sentimentali autentiche. Gli squardi tra Luciana e il ragazzo della sezione hanno la stessa spontanea intensità di Notte prima degli esami. Emergono i suoi desideri, la sua vergogna, e soprattutto la sua rabbia in uno dei frangenti più riusciti del film quando insulta il fratello facendolo scappare e quando è isolata a scuola. Lì sembra uscita da quelle inquietudini adolescenziali del miglior cinema di Claude Miller da L’éffrontée a La piccola ladra. E forse la Nicchiarelli è troppo discreta per dirlo ma nelle corse della giovane protagonista - dove emerge Miriana Raschillà in un cast dove è ben contornata, tra gli altri dai bravi Sergio Rubini, Angelo Orlando e Claudia Pandolfi – e nei suoi sguardi verso il cielo forse a volte pulsa il cuore di Antoine Doinel.

Simone Emiliani

Ore 24.00 – Venezia 66
Tetsuo: The Bullet Man di Shinya Tsukamoto

www.cinematografo.it

Tsukamoto mette la parola fine all'epopea dell'uomo/macchina: in Concorso, apocalittico e con qualche passaggio a vuoto.
Distrutto per l'omicidio del suo piccolo bambino, un uomo d'affari americano a Tokyo (Eric Bossick) non riesce più a controllare la rabbia, repressa nel corso di un'intera esistenza, e poco a poco si trasforma in una mostruosa macchina di morte: vapore e olio, fibre muscolari che diventano letali armi metalliche, esplosione a raffica di pallottole, un bullet man... Scoprirà poco più avanti - anche grazie ad un misterioso e pericoloso sconosciuto (Tsukamoto) - che l'ibridazione non è casuale, ma conseguenza di alcuni esperimenti condotti anni prima dal padre, scienziato coinvolto con le forze armate USA nel Giappone del dopoguerra nel progetto "Tetsuo". Diciassette anni (e una decina di film) dopo Tetsuo II: Body Hammer, Shinya Tsukamoto porta in Concorso "l'ultimo capitolo della storia sul ferro": né sequel, né remake, Tetsuo: The Bullet Man (primo film in lingua inglese del regista nipponico) mette con buona probabilità la parola fine al "progetto" (cinematografico) Tetsuo, che nel 1988 tracciò le linee guida di un linguaggio e di un'estetica inconfondibili: la mutazione della carne, la sinfonia metallica industriale e urbana (che probabilmente sarebbe piaciuta a Walter Ruttmann), contrappuntata dall'elettronica martellante di Chu Ishikawa, per il consueto manifesto di un cineasta totale (al solito, anche sceneggiatore, direttore della fotografia, montatore e scenografo), demiurgo che implora la sua stessa creatura di ucciderlo: è questa la svolta definitiva di The Bullet Man, che riflette violentemente sulla dicotomia tra "la perfetta evoluzione dell'essere umano" (indistruttibile androide, nuova potenziale arma di distruzione di massa) e quel poco di cuore (e sangue non contaminato) che gli è rimasto. Non il suo film migliore (che rimane Tokyo Fist, insieme ad A Snake of June), in alcuni passaggi appesantito da didascalie tutto sommato inutili, ma Tsukamoto - con inserti di videoarte straordinari - dimostra una volta di più quanto gli "insostenibili" ritmi digitali ed elettronici coincidono con le mutazioni fisico/sensoriali della fruizione cinematografica. Apocalittico, (mai) integrato.

Valerio Sammarco

Roman Paska e John Turturro: "Prove per una tragedia siciliana"

[recensione a cura di Marta Gabrieli]

Il film-"documentario" ha come fulcro il desiderio di John Turturro di realizzare un film su un burattinaio (puparo) siciliano. Durante le sue ricerche incontra e intervista, fra tanti personaggi, Andrea Camilleri, l'attore Vincenzo Pirrotta, il puparo Mimmo Cuticchio. Tutti stanno al gioco, interpretando (se così si può dire) se stessi in un tentativo di rievocare la storia e le tradizioni siciliane, anche raccontando la storia dell'Orlando Furioso, la quale funge da mediatore tra spunti di riflessione, qualche sorriso e intervalli recitativi interpretati da Donatella Finocchiaro, lo stesso Pirrotta e di alcune ragazzine del posto.
Questo breve simpatico (finto?) documentario regala un affettuoso e sentito omaggio alla Sicilia e alle origini dell'attore italoamericano.
Molte cose sono invece ripetitive (frasi, scene, concetti) e sfiorano il patetico e il buonista. Senza infamia e senza lode, giusto per passare un'oretta senza troppi pensieri.

-4- Andrzej Wajda e (il nostro) Francesco Pasinetti

Katyn: una splendida, intensa, ineccepibile pagina d’autore tratta dall’atroce libro di Storia.
(film in programmazione su Sky!)

Ore 11.00 – Eventi collaterali
Katyn (2007) di Andrzej Wajda (Nastro Europeo del Ventennale)

http://filmup.leonardo.it

Katyn è uno dei nomi più difficili della storia polacca del novecento. E’ un bosco nell’attuale Bielorussia in cui furono massacrati dall’esercito sovietico dell’armata rossa più di 20.000 ufficiali polacchi. Questo assassinio di massa ebbe una serie di conseguenze a breve e a lungo termine che influenzarono la storia della Polonia fino ai giorni nostri. L’ordine di morte (firmato dal direttore dei servizi segreti russi Lavrentij Beria il 5 marzo 1940) aveva un scopo molto preciso: l’eliminazione dell’intellighenzia sovietica. Gli ufficiali polacchi erano l’elite intellettuale della Polonia a cavallo tra le due guerre: erano medici, ingegnere, avvocati e professori. Erano in un certo senso gli eredi della vecchia nobiltà di sangue, le forze sulle quali si basava il presente e il futuro della Polonia. In questo i sovietici non furono diversi dai nazisti, che per esempio deportarono e uccisero tutti i professori dell’università Jagellonica di Cracovia (nell’ideologia nazista gli "schiavi polacchi" non dovevano avere accesso all’educazione superiore). Il rinvenimento da parte dei nazisti delle fosse comuni di Katyn nel 1943 di fatto provocò una spaccatura fra le forze di resistenza presenti in Polonia, una che rispondeva al governo della II Repubblica in esilio a Londra e la seconda che invece si riconosceva negli "amici sovietici" che pure avevano invaso il paese nel 1939. Dopo la nascita della Polonia socialista la parola Katyn divenne un taboo. Tutti sapevano di chi fosse stata la responsabilità ma nessuno poteva mettere in discussione la vulgata ufficiale che faceva ricadere la responsabilità di quelle morti sui tedeschi. Riporta Adam Michnik che i redattori dell’enciclopedia polacca piuttosto che mentire preferirono non inserire la voce "Katyn" nella loro opera. Segno di resistenza per sottrazione, un silenzio pesante come un macigno. Andrzej Wajda, regista polacco tra i più prolifici e attivo fin dagli anni ’50, firma l’adattamento del romanzo Post Mortem di Andrzej Mularski anche per mettere a tacere alcuni fantasmi personali. Il padre fu ucciso probabilmente dalle truppe sovietiche (anche se non a Katyn) e sua madre dovette vivere a lungo sopportando il peso di quella menzogna ufficiale. Katyn si può idealmente dividere in due parti: una parte ambientata durante la guerra e una seconda sezione che mostra le conseguenze civili e sociali della Katyn come strumento ideologico sovietico. Wajda si richiama alla sua tradizione cinematografica con le sue numerose ascendenze al romanticismo polacco. Emblematica (e forse abbastanza trita) l’immagine del Cristo coperto dal cappotto dell’ufficiale. Durante l’800, secolo in cui scomparve dalle carte dell’Europa, la Polonia era nota come "Cristo delle nazioni", termine tornato ricorrente durante l’ultima spartizione russo-tedesca. Al di là del destino degli ufficiali viene data grande rilevanza all’attesa e al destino di chi in quegli anni difficili attese vanamente a casa il ritorno dei propri cari e alle conseguenze del loro atteggiamento nei confronti della versione sovietica dei fatti. Risulta a tratti troppo dura la colpevolizzazione di chi preferì accettare la versione ufficiale per continuare a vivere. Questa condanna è tra l’altro tuttaltro che innocua per la Polonia di oggi. Bisogna ricordare infatti che negli ultimi anni è stato avviato dai Kaczynski un processo di epurazione nei confronti di chi durante gli anni del comunismo poteva considerarsi anche vagamente colluso con il potere allora vigente (in Italia si è occupato con grande sottigliezza di tale questione Paolo Morawski). Non è un caso che l’allora Presidente Kaczynski abbia auspicato proiezioni scolastiche obbligatorie di questa pellicola. Lascia inoltre perplessi la caparbietà con cui vengono mostrate le morti degli ufficiali al termine di Katyn, esecuzioni che possono stare alla pari con lo Schindler’s list spielberghiano come crudezza di esposizione. Katyn è comunque un lavoro impeccabile sia dal punto di vista della regia che dell’interpretazione, anche se un pò freddo e "a tesi" nell’esposizione. E’ comunque fondamentale che si parli di questa oscura pagina della storia recente, anche se è auspicabile che questo non diventi IL film su Katyn. La frase: "Cannoni, artiglieria, li puoi sostituire. Ventimila ufficiali educati e addestrati non sono rimpiazzabili".

Mauro Corso

http://occhiomovie.blogspot.com

FINALMENTE KATYN ESCE ANCHE A MILANO
LETTERA APERTA ALLA STAMPA ITALIANA DA MARIO MAZZAROTTO, AMMINISTRATORE UNICO DI MOVIMENTO FILM, LA SOCIETÀ CHE DISTRIBUISCE IL FILM IN ITALIA
Sono ormai note le vicende relative alla distribuzione italiana di Katyn di Andrzej Wajda. Il film del maestro polacco sulla strage di Katyn ha subito in Italia un incredibile boicottaggio di mercato, che non gli ha permesso di circolare regolarmente in alcune delle principali città italiane ed in particolare nel capoluogo lombardo. Katyn è uscito in Italia il 13 febbraio in poche sale - 12, ma ne erano state promesse molte di più -, ed è stato accolto positivamente dalla critica: da Gian Luigi Rondi che sul Tempo parla di “emozioni profonde” a Tullio Kezich sul Corriere della sera (“Ma in un paese che insiste a dirsi civile, questo sarebbe un film da vedere in piedi”), da Lietta Tornabuoni su La Stampa (“Un film dedicato specialmente al dolore delle famiglie delle vittime, alla loro attesa speranzosa o disperata, all’ostilità che le circonda”) a Paolo D’Agostini su la Repubblica (“Il regista riapre un capitolo storico drammatico del suo paese e dell’Europa”). E ancora: Fabio Ferzetti su Il Messaggero (“Una lezione di storia”), Alberto Crespi su l’Unità (“Vederlo, per chi s’è riconosciuto nella storia del comunismo, nelle sue grandezze e nelle sue tragedie, è un atto di giustizia”), Silvio Danese su QN (“Un tocco sconvolgente sulla follia europea del ‘900”), Tommaso Ricci sul TG2 (“Film tragico che cozza contro la straripante voglia di banalità”). Questo per fermarsi solo ai principali quotidiani e tg. Il film è stato accolto benissimo anche da quei pochi spettatori che l’hanno potuto vedere e che quotidianamente scrivono ai “loro” giornali. Per non dire dei professori e dei presidi che pensano di organizzare proiezioni per gli studenti: “Io, professore di sinistra, dico ai miei colleghi: fate vedere Katyn”, dichiara alle pagine liguri de “Il Giornale” il professor Nicolò Scialfa. Anche alcune istituzioni e associazioni sono scese in campo. Il sindaco di Roma, Gianni Alemanno, il 10 febbraio scorso in onore del “Giorno del Ricordo” ha organizzato una proiezione alla Casa del Cinema “per ripercorrere un pezzo tragico della storia della Polonia nella speranza di una nuova Europa basata sulla verità e sulla riconciliazione”. Giovedì 19 marzo la rivista “Ircocervo” e l’associazone “Italia protagonista” hanno organizzato una proiezione al cinema “Nuovo Olimpia”, a Roma, alla presenza del ministro per i Beni e le Attività Culturali Sandro Bondi, con una toccante prolusione del professor Victor Zaslavsky. Dopo questa proiezione, il direttore generale per il cinema del ministero per i Beni e le Attività Culturali Gaetano Blandini, ha scritto, anche a nome del ministro Sandro Bondi, al presidente e all'amministratore delegato di Circuito Cinema per sensibilizzarli riguardo la programmazione del film.Venerdì 6 marzo, al cinema Palestrina di Milano, l’associazione Sentieri del Cinema insieme al Centro Culturale di Milano e al settimanale Tempi, ha affittato il cinema Palestrina del capoluogo lombardo per una serata dedicata a “Katyn” introdotta dal console polacco a Milano Krzysztof Strzalka: come riportato dalle cronache, tantissima gente è rimasta fuori dal cinema, e c’è stata una piccola rivolta per non lasciare alle logiche, a volte distorte, del business cinematografico, l'ultima parola. Insomma, tutti coloro che hanno la possibilità di vedere il film continuano a stupirsi per il fatto che l’esercizio cinematografico italiano non riesca a trovare un giusto spazio all’opera di Wajda. Come vi è noto, tanti giornali e telegiornali continuano - autonomamente, come è giusto che sia - a puntare il dito sullo stato della distribuzione in Italia: per quanto riguarda "Katyn", ma non solo. Quando mi è stato richiesto, io mi sono limitato a sottolineare, con discrezione ma anche con fermezza, l'evidenza di una censura di mercato, incomprensibile, vista la qualità storica e culturale dell'opera, dal mio punto di vista di giovane distributore (e produttore) indipendente. “Katyn” avrà finalmente una normale programmazione a Milano, al cinema Palestrina, con tre spettacoli quotidiani (alle ore 16.30, 18.45 e 21.00), a partire da venerdì 3 aprile. Questo è stato reso possibile dagli sforzi della Movimento Film e dalla collaborazione del gestore della sala, Andrea Nobile, e dell’associazione Sentieri del Cinema, che ha “adottato” quello che considera uno dei film più importanti degli ultimi anni. Spero e confido che altri esercenti vorranno programmare il film nelle tante città italiane che ancora non hanno fatto vedere "Katyn", e utilizzare le copie che giacciono nei magazzini. "Viene messa particolarmente in luce la meccanicità delle esecuzioni, una in serie all’altra, in quel locale angusto, quasi fosse una stanza da macello, a sottolineare di quanta poca umanità possa essere l’uomo nei confronti di un suo simile".

Matteo Mancinelli

Ore 19.45 – Questi Fantasmi 2

Entusiasmo
Venezia in festa
Arte Contemporanea
Pittori impressionisti
di FRANCESCO PASINETTI

Nuvola
di Pier Maria Pasinetti e Roberto Zerboni

-3- The Road... sì, in mezzo alla strada!

Nella vita c'è sempre una prima volta: per la prima volta non sono riuscito ad entrare in sala per la proiezione di The Road, Sala Grande, ore 22.00, film molto atteso, orario di massima affluenza di pubblico… pazienza lo si vedrà in programmazione al cinema (a differenza di altri titoli…), se non fosse che l’attesa di un’ora in coda non è stata sufficiente per poter accedere. Purtroppo si ripresentano le solite, abituali (irrimediabili?) magagne organizzative: non voglio polemizzare ed essere ripetitivo, amo la Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia e credo ci voglia poco per migliorare alcuni aspetti, orientare il pubblico con pannelli direzionali (povera sperduta Sala Pasinetti…), sapere con l’ausilio dell’informatica i biglietti venduti e i posti disponibili, ecc. ecc. Mancanza di infrastrutture (vedremo…), question de $kei (probabile, ma…). Ore 22.20, ancora in coda, il film è iniziato, retromarch. Era meglio, come pensato vedere altri film (Francesca o Kakraki), seguendo i vari incastri del mio programma li avrei recuperati successivamente, The Road mi incuriosiva, ma ormai è troppo tardi, le proiezioni nelle altre sale sono iniziate, gli accreditati già accodati… una seccatura, buona notte (fonda!).

Ore 14.00 - Settimana della Critica
Metropia di Tarik Saleh

www.cinematografo.it

Svezia futurista (e da incubo) in animazione per l'apertura della SIC: Vincent Gallo presta la voce per l'esordio di Tarik Saleh.
Doppietta svedese alla Settimana della Critica. Vengono infatti dalla terra di Bergman l'Evento speciale Videocracy di Erik Gandini, che come ormai tutti sanno riflette sullo stato della televisione in Italia, e il film di apertura Metropia di Tarik Saleh, lungometraggio di animazione che disegna un futuro apocalittico. Curiosamente i due registi, amici nonché collaboratori avendo cofirmato nel 2001 Sacrificio - Who betrayed Che Guevara e nel 2005 Gitmo – New rules of war, documentario sconvolgente sul carcere di Guantanamo, si presentano a Venezia con due opere per certi versi complementari per capire il presente e immaginare come potrebbe invece essere il futuro prossimo. Se infatti Gandini partendo dal caso Italia analizza una società già pienamente dis-educata dalla televisione, Saleh fa un passo avanti e, senza dimenticare "1984" di Orwell, illustra un domani in cui il vecchio continente non è più diviso in singole nazioni ma uno stato-Europa controllato da occhi nascosti ovunque e plasmato attraverso una rete di comunicazione globale. Non bastasse, la volontà dei singoli è manipolata da una misteriosa voce interiore che al primo cenno di cedimento invita a dare sempre il meglio di sé, cosa non facile vista la cupezza che avvolge tutto e tutti. Il film è ambientato nel 2024 e c'è ancora tempo prima che gli incubi raccontati prendano vita, ma sarà il caso di cominciare ad attrezzarci per evitare alle generazioni future il triste destino di Roger, il protagonista cui dà voce Vincent Gallo. L'importanza dell'esordio di Saleh nella finzione non si ferma certo al tema affrontato, ma anzi trova il punto di maggior interesse nella forza delle sequenze di animazione digitale realizzate unendo immagini, disegni e frottage. Una tecnica frutto di un lavoro lungo e laborioso, premiato da un risultato destinato a occupare un posto di rilievo nella storia dell'animazione.

Fabrizio Del Dongo

Ore 19.00 - Settimana della Critica/Giornate degli Autori
Videocracy di Erik Gandini

http://www.corriere.it/

Ressa per il film sulla videocrazia berlusconiana, aggiunta una proiezione.
Razzismo e «Videocracy»: politici italiani alla berlina.
Dalla Romania accuse di xenofobia con pesanti insulti. Alessandra Mussolini: chiedo il sequestro di «Francesca».
VENEZIA —È arrivata al Lido la giornata del non voglia¬moci bene . Dopo la sfilata del potere della prima serata, con Berlusconi jr. in prima linea per il film di Tornatore nel trionfo del «made in Sicily» ecco che la Mostra (nello stesso giorno in cui l’America ver¬a le ciniche lacrime di Solondz) sferra due attacchi concentrici all’Italia. Da una parte con Videocracy, basta apparire di Erik Gandini, italiano che vive in Svezia; dall’altra la Romania con Francesca, film di neo-realismo girato da Bobby Paunescu, che ha vissuto 10 anni a Milano e accusa gli italiani di razzismo. Di entrambi è distributore Domenico Procacci (Fandango). L’onorevole Alessandra Mussolini è pronta alla richiesta di sequestro e di risarcimento danni per una battuta dove in una casa di Bucarest si dice di lei: «Quella... che vuole ammazzare tutti i romeni ». Insulti da uno dei personaggi della pellicola anche al leghista Flavio Tosi, definito «sindaco di ... di Verona ». Tosi replica ricordando l’imminente costruzione di un centro culturale romeno a Verona e gli elogi del console Dinu. Alla prima proiezione la stampa in sala ha brevemente applaudito, più calorosa l’accoglienza del pubblico. Procacci dice che si vedrà, la parola alla legge.
La videocrazia berlusconiana da una parte e la xenofobia sono chiamati dunque a processo in un cinema che vorrebbe dire tutta la verità. E sostiene Gandini, autore di Videocracy cui ha messo lo zampino produttivo anche Lars Von Trier: «Io racconto la mal¬vagità del banale, la volgarità tv in un paese dove la divisio¬ne non è più tra destra e sinistra ma tra chi appare in tv e chi no». Il campione della prima categoria è il fotografo Fa¬brizio Corona che si è fatto riprendere nudo sotto la doccia e poi vestito, spiegando come usa i flash e dando la liberatoria per ogni immagine, così come gli altri, anche per l’uso dell’inno femminile «Meno male che Silvio c’è».
«Corona non è uno che si ma¬novra lo si segue e basta: sa quel che vuole, è lui che conduce il gioco». Il film, uscito in Svezia con successo («la gente ama l’Italia, entra ridendo perché siamo ridicoli ma esce seria e turbata») definito il più spaventoso horror dell’anno (Lele Mora col telefonino che suona «Faccetta nera»), è una summa del peggio mediatico della tv scosciata. «Parto dal 76 con 'Spogliamoci insieme' seguito da Smaila di 'Colpo grosso'. Non avrei mai pensato a una escalation per cui il presidente della tv sarebbe diventato poi del consiglio ». Grande ressa alla prima proiezione: ne è stata aggiunta un’altra. Gandini tiene a discutere di cinema, parla della «letale filosofia dell’apparenza, messaggio che deve arrivare in platea, perché non riguarda solo l’Italia che sta comunque al 73mo posto nella libertà di stampa».
L’attacco romeno riguarda Francesca (interpretata da Monica Barladeanu), storia invece di una ragazza di Bucarest, dove molta gente si spende in energia e volontà, che vorrebbe venire in Italia ad aprire un asilo. Siamo definiti, da suo nonno, «maccheronari » e stupratori come i turchi: «Perciò — dice nel film — ci hanno fatto entrare nel¬l’Unione europea, per le donne ». L’autore si è sentito tra¬dito: «Gli italiani pensano che siamo ladri, zingari, stupratori, un effetto dell’orribile assassinio della Reggiani nel 2007, ma in realtà paghiamo tutti 22 milioni di onesti per 900 delinquenti. Sentivo di dover far qualcosa, reagire per un comprensibile rancore. Pensare che ci sono 1700 imprese romene a Verona e 27.000 imprese italiane in Romania con tanti scambi commerciali... Viviamo una crisi di identità — conclude Paunescu — ci vorrà tempo, ma spero ci sarà modo di aggiustare il tiro da tutte e due le parti, perché siamo popoli storicamente affini ed è molto brutto ora dover proteggersi le spalle».

Maurizio Porro

Ore 22.00 - Venezia 66
The Road di John Hillcoat

www.movieplayer.it

Apocalisse presente
Adattare un romanzo per il grande schermo, considerando la profonda differenza tra i due media, significa necessariamente tradire il materiale di partenza, ma in questo caso la scelta di John Hillcoat di mantenersi aderente al testo originario risulta efficace, oltre che comprensibile.
"Chi fa brutti sogni nutre ancora la capacità di ribellarsi, chi fa solo bei sogni oramai si è arreso". Una madre si rifiuta di mettere al mondo il proprio bambino in un mondo dilaniato dal senso di morte, mentre un padre si carica sulle spalle il peso della famiglia inseguendo il miraggio di un utopico miglioramento delle condizioni di vita. Il cataclisma oggetto del lucido romanzo di Cormac McCarthy portato sullo schermo dall'australiano John Hillcoat non si riveste delle sfumature filosofico-religiose de I figli degli uomini, ma affoga nello stesso sangue, sporcizia e grigiore in cui è immersa l'America post-apocalittica sconquassata da terremoti e paralizzata nella morsa del gelo. "Homo homini lupus" teorizzava Thomas Hobbes.
Il doppio binario su cui si muove il nucleo narrativo di The Road coniuga l'avvicinamente progressivo dei due protagonisti, un padre e un figlio, movimento che talvolta subisce brevi, ma pesanti battute d'arresto (gli incontri con gli altri derelitti in cammino ai quali il figlio è sempre prodigo nell'offrire aiuto, mentre il padre protettivo vorrebbe allontanare al più presto) con lo scontro tra questo nucleo familiare mutilato e i "cattivi" che popolano il mondo distrutto. La mente infantile, pronta a semplificare le complesse sovrastrutture della realtà e a ridurle all'essenziale, divide gli uomini in buoni e, appunto, cattivi. Quella adulta del padre (uno straordinario Viggo Mortensen, ma questa non è una sorpresa) ha allenato i propri sensi a diffidare di chiunque per proteggere il figlio istruendolo a sfuggire con ogni mezzo ai nemici, anche a costo di togliersi la vita per sottrarsi alla violenza che imperversa, violenza mostrata solo a sprazzi, ma evocata costantemente nel corso del film dalle tracce del passaggio dei cattivi.
Adattare un romanzo per il grande schermo, considerando la profonda differenza tra i due media, significa necessariamente tradire il materiale di partenza, ma in questo caso la scelta di John Hillcoat di mantenersi aderente al testo originario risulta efficace, oltre che comprensibile. La profonda relazione che si crea tra il padre e il figlio in fuga dall'inverno, dal male, e forse anche dai ricordi di un passato sereno, viene sviscerata attraverso una concessione minima al sentimentalismo sostituita per lo più da un'asciutta e minuziosa rappresentazione della quotidianità anomala instauratasi, fatta di piccoli gesti necessari alla sopravvivenza.
Di fronte alla compattezza narrativa e stilistica di McCarthy, John Hillcoat sceglie la via più semplice, ma anche più rigorosa. La sua regia si mette al servizio di storia e personaggi abbandonando guizzi autoriali o concessioni al pathos per assumere una funzione essenzialmente descrittiva. Il focus rappresentato dalla sofferta relazione padre-figlio viene incorniciato da piani d'ambientazione cupamente suggestivi che fotografano la desolazione dello scenario possibile dipinto da The Road e dal giganteggiare degli attori, tutti assolutamente in parte, dalla disperata Charlize Theron al saggio Robert Duvall. Unica concessione volta a movimentare la narrazione: gli inserti onirici che conservano la dolcezza del ricordo e l'inquietudine del passato recente. La strada verso sud passa attraverso la desolazione e la ferinità dell'umano, troppo umano. Pessimista McCarthy. O no?

Valentina D'Amico

SERVIZIO PUBBLICO: la biglietteria

Settimo Binario vi aiuta anche a raggiungere la Mostra del Cinema di Venezia.

Ecco qui alcune importanti informazioni per chi vuole farci un giro e vedersi un film.

I titoli di ingresso (biglietti, abbonamenti, tessere promozionali) sono disponibili per tre sale di proiezione: Sala Grande, PalaBiennale (in via Sandro Gallo) e Sala Darsena (per i film della sezione Orizzonti). L'accesso alle proiezioni non è consentito ai minori di 18 anni.

Info: Tel. 041 2726 624 (lun-ven, h. 10-13 / 14-17)

biglietteria.cinema@labiennale.org

Richieste per gli abbonamenti

possono essere inviate a:

E-mail biglietteria.cinema@labiennale.org

Fax 041 2726 623

Abbonamenti Sala Grande (Palazzo del Cinema)

Per i film delle sezioni Venezia 66, Fuori Concorso, Controcampo Italiano

- preserale € 150

- prima serata: platea € 450 / galleria € 1.350

- seconda serata € 280

- mezzanotte € 150

Abbonamenti PalaBiennale (tensostruttura via Sandro Gallo)

Doppia proiezione serale per i film delle sezioni Venezia 66 e Fuori Concorso

- intero € 160

- ridotto € 130

Biglietti

Sala Grande

ore 11.00 € 10,00

ore 15.00 € 10,00

ore 17.00 € 15,00

ore 19.30 € 40,00

ore 22.00 € 28,00

ore 24.00 € 15,00

PalaBiennale

ore 13.00 - 15.30 - 18.00 € 8,00

ore 20.30 € 16,00 (doppia proiezione)

Sala Darsena

ore 14.00 - 16.30 - 19.00 - 21.30 € 10,00

Tessera promozionale under 26 / over 60

Per la visione dei film riservati agli accreditati Cinema:

6 giorni € 100

11 giorni € 130

(la tessera si richiede allo sportello di biglietteria accanto al Casinò, muniti di documento di identità e di una foto formato tessera, senza bisogno di prenotazione)

[http://www.labiennale.org/it/cinema/mostra/biglietteria/]